About Swing Dancing

It was Hong Kong Swings’s 10th year anniversary last week, and it also marked the time where I have been swing dancing for almost 8 years. It is a long time for any kind of hobbit or interest or sport, and I feel like I should write something about it.

Only few took it seriously when they first heard of swing dancing. Some due to the gratuitous euphemism of the word “swing”, some due to the general impression of any form of partner dancing as boring, uptight, and somewhat old-fashion ballroom dancing. For most, they would be really confused or clueless, as it is not the kind of dance you’d hear every now and then like salsa or tango.

Well, in all fairness, that was probably what I thought as well.

It was December 2008 when my colleague, Hardik, has his farewell party. He picked Grappa’s Cellar in Jardine House for the dinner with the team. It was a busy night. Like, 120%-full-house busy. What we didn’t know was, Grappa’s was (and still is) the place to host the swing dance social night. And since it’s December, it happened to be Hong Kong Swings’s Christmas party night too. My colleague was actually a pretty good swing dancer, and he went straight to the dance floor after the first course.

Now for a table of 12 people, none of us knew what was going on. We tried hard to understand, but it seemed so much couples were dancing randomly on their own. Mind you, for those who have been to a regular Wednesday night, it was such a busy night they didn’t have any free beginner lesson. So there was absolutely nowhere to start. And I started.

I remember it was Michelle, Christine and Mike who encouraged me to dance. I don’t think Michelle even remember that, but I do. It was the first time in my life to be so committed to do something so embarrassing. But the ultimate reason was even simpler than that. I wanted so much to dance with this particular girl. And since I was in an age that testosterone controlled all lesser (or better, retrospectively) decisions in my life, I did ask her to dance and we danced. It was simultaneously the best and the worst 3 minutes of the night, but it was worth it. It was how it all started.

But it was ever since more than that. Swing dance fitted me. I didn’t like choreographed dances. I often felt ballroom dances were too rigid. Salsa and tango came with a lot of sex appeal, and it was not something I was looking for. And I am probably saying it with huge amount of bias.

Swing dance, on the other hand, check all the boxes. It is casual. It is fast-paced. It is fun. It has a lot of science (physics) in it. And most importantly, swing dance has a fair bit of cheekiness. Or smugness. Or try to mix something new or make a synchronized move, with a partner you have just met 30 seconds ago. On the dance floor you don’t see a sad swing dancer. Everyone is happy in a very particular way. Some people may treat swing dance very seriously of course, and some people may on the other hand over-do the cheekiness, always try to be under the spotlight of the floor and such. But if you have the right amount of playfulness, it always brings you and your dancing partner smiles.

I am very thankful that I have been part of this community in Hong Kong. I’ve seen people complaining about how boring Hong Kong is, while it really isn’t. I am sure a lot of salsa, tango, hip-hop, dancers do share the same feeling, being in a small but really close community enjoying the things that they all love. Or the same as cross-fit groups, book clubs, ice-skiing groups, dragon boat teams, whiskey tasting groups, dodgeball teams and the like. The width of Hong Kong never stopped at cinemas and shopping malls.

Keep exploring. Keep dancing.

從《Exit Through the Gift Shop》到Invader在香港

以下文章可能含有《Exit Through the Gift Shop》之內容。

***Spoiler Alert***

近年愛上看紀錄片,是因為紀錄片主題鮮明,很少出現貨不對辦的情況。看紀錄片沒太多情緒起伏,任何時候自己一個也不錯。而且拍攝紀錄片動輒花上三五七年,有時候單是誠意分經已足夠。

《Exit Through the Gift Shop》跟精品店沒有關係,而是Banksy一開始就對現實世界投下的第一個嘲謔。香港的機場還好,但外國很多機場,經過重重關卡後,卻要可笑地穿過免稅品店才可以入境。不明就裡的人找不到出口,便衍生出「Exit Through the Gift Shop」這種指示牌出來。

全片由概念到導演,引子到結語,都是圍繞著Banksy。他早在英國以塗鴉(graffiti )成名,但作品廣受爭議——包括作品的合法性、藝術性,以至Banksy本人的身份,又或者他是否成名後出賣了自己的原則來賺錢等,都是值得討論的話題。故此想看這紀錄片的觀眾,或多或少也想知道Banksy背後的故事。

可是Banksy一開始是介紹的出場的,卻是不見經傳的Thierry Guetta。他除了喜歡攝影以外,似乎對藝術一竅不通。不單只是藝術,他甚至連跟其他街頭藝術家溝通也有一定的難度。當然,你去了結局以後可以說,這是Banksy導演的手法。但全片過了三分之二,你也許只會覺得Thierry Guetta是個街頭藝術家旁的說書先生。

對,畢竟Andre the Giant「Obey」和奧巴馬「Hope」作品的始創人Shepard Fairey,和太空侵略者作品的始創人Invader,名氣跟Banksy可謂不分軒輊。看他們的故事,是真的在看紀錄片。畢竟,很多人碰到過「Obey」,郤沒有很多人可以說得出Shepard Fairey或者Andre the Giant。

By Eva Rinaldi from Sydney Australia (Andre Giant - ObeyUploaded by LongLiveRock) [CC BY-SA 2.0], via Wikimedia Commons

By Eva Rinaldi from Sydney Australia (Andre Giant – ObeyUploaded by LongLiveRock) [CC BY-SA 2.0], via Wikimedia Commons

By Lord Jim (https://www.flickr.com/photos/lord-jim/2245362705) [CC BY 2.0], via Wikimedia Commons

By Lord Jim (https://www.flickr.com/photos/lord-jim/2245362705) [CC BY 2.0], via Wikimedia Commons

By Duncan Cumming duncan [CC BY 2.5], via Wikimedia Commons

By Duncan Cumming duncan [CC BY 2.5], via Wikimedia Commons

及後Banksy正式出場(之前只輔以旁白),立刻便照顧好等待問題的答案的觀眾。博物館內私下掛上作品、塗了顏料的大象、戴妃頭像的英磅、以至迪士尼公園內的囚犯公仔。他明確地展示給觀眾看:哪些作品、行為犯法,他一概清楚明白;但他是否遵從,卻不在他的藝術世界範圍內。(次一等的問題,例如牆壁上塗鴉是否犯法,Banksy也懶得用篇幅去討論。)

街頭藝術成為藝術收藏家的新寵兒,也是Banksy的攻擊目標。作品在拍賣行賣了,給收藏家放在Warhol、Haring、Lichtenstein旁。又如何呢?一開始的時候,又是誰賦予這些作品上千百萬的價值?還不是藝術收藏家嗎?

好了,要說的都說了。剩下Thierry Guetta和廿八分鐘,還可以做甚麼?鏡頭一轉,Thierry Guetta不再是鏡頭後攝影師,而是鏡頭前的「藝術家」。藝術家前後那引號,是因為Banksy與Thierry Guetta的其他朋友,都一直以揶揄的口吻去論述Thierry Guetta(或者他的新稱號,「Mr. Brainwash」)的首展。

我們分明已經用六十分鐘去建立了Thierry Guetta是個對藝術一竅不通的人,但最後Mr. Brainwash一舉成名,畫作的價格也水漲船高。這就是Banksy首導的電影——他用紀錄片的形式,說出了一個有起承轉合的電影故事。很多人甚至認為,Thierry Guetta的遭遇跟Banksy想要點出的主題太過巧合,Mr. Brainwash可能只是Banksy利用現實世界來建立電影世界的傀儡。但Thierry Guetta的各種公開記錄皆符合片中的劇情,更令人覺得Banksy能製作出這電影,或多或少是神來之筆。

很多人會說,街頭藝術想帶出的東西太過簡單,難登大雅之堂。坦白說,相對於藝術館內深澀難明、卻要在一旁貼上一大段註解的作品,Banksy、Invader等想帶出來的東西反而更加回歸到藝術本身。而且Banksy也曾經說過,他是故意把作品的主題盡量保持簡單,因為於街上的作品,沒有人能花多於幾秒鐘的時間,去慢下腳步(或者慢下車輛)去深入了解過份複雜的題材。

但這篇文章去到尾聲,又如何帶到Invader身上呢?新一代藝術家要去交待複雜的題材,就要靠新媒體和大型互動。Banksy討論街頭藝術的價值,用上了Mr. Brainwash真人表演,再加上紀錄片去跟現實世界互動。戲內是一種藝術、戲外又是一種藝術;Invader的作品被香港政府剷走了,便辦一個叫Wipe Out的展覽,再趁展覽期間再於香港裝置更多的作品。展覽內外是一種互動,是互相呼應的主題,似是嘲弄政府的雙重標準,也符合Invader的「侵入」大主題。展覽內是一種藝術,展覽外又是另一種藝術。

政府於展覽期間剷走新的作品與否,其實早已經輸了第一步。這些跨媒體、跨時間、多重意義的藝術,我能想到的就只有這兩個例子。前無古人,但希望來者眾眾。

20150513_183227

元創方Wipe Out 展覽場內

20150512_133625

同時間在荷里活道某橫街

Art Basel巴塞爾威威食雞番外篇

去瑞士,最多去蘇黎世、伯恩、日內瓦、琉森……又有誰會專程走去巴塞爾?不過香港人每年去Art Basel巴塞爾藝術博覽會,卻趨之若鶩、惟恐錯失每年一度欣賞一式一樣的藝術品之機會。今年又由我來外行充專家,五分鐘速成回顧去年出現過的藝術家,看看今年你又跟幾多的他重遇上?

印象派的畫家不贅。)

馬蒂斯(Henri Matisse):法國野獸派畫家。自A-Level而起已經不懂得欣賞。如果你覺得眼前畫作像是小學生所畫的話,很大可能是馬蒂斯的作品。

蒙德里安(Piet Mondrian ):荷蘭De Stijl「風格派」的表表者,也可能是酒店房內最常見的複製品。紅、藍、黃、白、黑縱橫交錯的長方格,沒理由認不出來。

畢加索(Pablo Picasso ):立體派的始創者,認得其作品應該是Art Basel的最低門檻。亦要留意跟畢加索之情緒和經歷互相呼應的藍色時期和粉紅色時期。

基里訶( Giorgio de Chirico):同是超現實主義的畫家,但往往被稱為陰暗版的達利。黑影往往佔據作品的重要位置。

米羅(Joan Miró):達達主義/超現實主義畫家。你找到雙眼,你就可以認定米羅的作品(看圖最簡單)。

考爾德(Alexander Calder):Kinetic Art 動態藝術的雕塑家。如果你看到衣架吊在天花上,然後平衡著三五七把街霸軍佬的軍刀(「阿力古」)的話,必然是考爾德的作品。

安迪華荷(Andy Warhol):Pop Art普普藝術的代表人物。用金寶湯/瑪麗蓮夢露等當代流行的圖像去表達藝術形態的藝術家。雖然本人覺得其聲名太響,某部份原因是當年的時勢背景(美國六十年代越戰/嬉皮運動等)。

哈林(Keith Haring):另一位普普藝術的畫家。粗黑線條的火柴人。其人生又是80年代全球文化背景的寫照。早已公開其同性性取向並宣傳安全性行為的人物,卻於31歲之齡因愛滋病而病死。

李奇登斯坦(Roy Lichtenstein):普普藝術的畫家,不是歐洲小國列支登斯坦(Liechtenstein )。美國漫畫風格,作品往往有對話框(dialogue balloon)。

白南准(Nam June Paik):韓裔美國藝術家,被喻為錄像藝術(裝置藝術的一個分支)的始創人。

博特羅(Fernando Botero):哥倫比亞畫家/雕塑家。肥人、肥人、肥人。有時候還會畫肥馬、肥結他、肥水果。可能是由於其活躍地區不屬於傳統藝術國家,所以一般沒有細分其藝術派系。

皮斯特萊托[香港官方譯名欠奉,只好用內地譯名](Michelangelo Pistoletto):意大利Arte Povera貧窮藝術的藝術家。用現成原材料堆砌而成的……一堆嘢。

赫斯特(Damien Hirst ):英國當紅裝置藝術家。主題往往與痛苦有關(三秒速成記法:Hurt/Hirst)……骷顱頭、人體橫切面、標本等是其標誌。

香港巴塞爾藝術展另一特色,是大量展出內地藝術家的作品。不過內地當代藝術嘅嘢,我……

La danse, 1909

La danse, 1909

Composition en rouge, jaune, bleu et noir, 1926

Composition en rouge, jaune, bleu et noir, 1926

Les Demoiselles d'Avignon, 1907

Les Demoiselles d’Avignon, 1907

 

Piazza d'Italia, 1913

Piazza d’Italia, 1913

The Escape Ladder, 1939

The Escape Ladder, 1939

Arc of Petals, 1941

Arc of Petals, 1941

100 Cans, 1962

100 Cans, 1962

Untitled, 1983

Untitled, 1983

Crying girl, 1964

Crying girl, 1964

Electronic Superhighway: Continental U.S., Alaska, Hawaii, 1996

Electronic Superhighway: Continental U.S., Alaska, Hawaii, 1996

Man with a Guitar, 1982

Man with a Guitar, 1982

Venus of the Rags, 1967

Venus of the Rags, 1967

The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, 1991

The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, 1991

為甚麼M+ 將不成氣候

如果硬要將香港跟紐約、倫敦、東京、悉尼比較的話,香港最弱的一環,必然是對藝術發展的重視程度。

M+是西九龍文化區的視覺文化博物館。當局近日發佈了希克博士(Dr. Uli Sigg)捐獻的收藏品、亦同時更新了當局其他收藏品。細看清單後,大概不少人會發現當中不乏濫竽充數之作。

M+本身就是一個折衷下的怪胎。不叫視覺藝術館,卻叫視覺文化博物館。像艾未未的作品,在其他國家自然會收藏在藝術館中,因為他的作品(先不論優劣)有藝術上的詮譯空間。可是某些作品,極其量就只像歷史的攝影賸本,在藝術角度上毫無價值。

當局把M+定位在展示二十、廿一世紀中國當代藝術的一個台階。在其時期上(實際上大部份皆屬2000年後這十多年間的收藏品)、地理上(局限於中港)、媒介上(視覺藝術--說白一點就只是攝影藝術)均非常狹隘。

為甚麼談了十多年,最後的成品看來卻像似雞肋?其一,我們沒有深厚的歷史文化背景。一幅畫放在一個歐洲人面前,他大概可以告訴你那是古希臘傳說裡的哪一個故事、或者中世紀哪一個歐洲國家的哪一場戰役,而我們則欠缺這些文化背景。其二,我們沒有雄厚的資金或贊助去支持藝術發展。其三,我們沒有相應的土地規劃去發展藝術項目。就像悉尼的當代藝術館位於市中心最繁忙的地區,而且空間廣闊,能夠展出大型裝置藝術。M+本來就是伴隨著其他地產發展項目,既然不能容納大型藝術品,就只好轉投「視覺藝術」的懷抱。

但撇除了這幾個先天因素,最讓香港落後於其他城市的原因,還是香港人本身。香港人把「襯墟文化」發揚光大,在欣賞藝術層面上也不遑多讓。不管是多年前印象派、清明上河圖展覽,以至近期的畢加索、安迪沃荷展覽,大夥兒總是蜂擁而上,對本地甚至外地的永久展品,卻往往不甚了了。

如此天時、地利、人和皆無的情況,說M+不成氣候,似乎已經夠客氣了。

M+藏品名單
M+希克藏品 – 捐贈藏品名單

另:艾未未手舉中指面對天安門廣場,明明是藝術作品,某報章卻樂得自我審查,硬要把中指打格。自1995年淫褻及不雅審裁處把《新人》銅像列為不雅物品以來十八年,香港竟然仍原地踏步。

當代藝術

當代藝術(Contemporary Arts)的定義很廣泛,差不多但凡是該年代的作品,都可以稱之為當代藝術。狹義來說,當代藝術則是指第二次世界大戰以後,所有藝術派系的統稱。 後者所涉及的東西太多,甚至有互相矛盾的藝術理念,故在此不能賮以論述。 我想說的,是近年(故「當代」)所謂的藝術作品,為甚麼不成流派、也不被普羅大眾所接受。

非常籠統來看,所謂的當代藝術有三類。

(一)把同一樣東西或同一件事情不斷重複,直至脫離了現實世界的可能。一罐金寶湯是生活、十罐金寶湯是搶購超市特價貨的師奶、一百罐金寶湯就是藝術;一個裸女在街上是瘋子、十個裸女在街上是女權主義分子、一千個裸女在街上就是藝術。

(二)用非傳統的媒介/物料來完成作品。用橡膠來製成一隻獅子只算是普通裝飾品,但用廢棄的輪胎(都是橡膠)來製成一隻獅子就算是藝術品;黑膠唱片只算是懷舊狂熱分子的收藏品,但把黑膠唱片切割組合是火車軌、然後讓裝有唱針的火車玩具在上面行走,又可以算是藝術。

(三)這類最能概括當代藝術:作品本身沒有明顯的主題、作品的名字也語焉不詳,但卻配以極之詳細的文字描述。簡單來說,不看文字描述而單看作品,是不能明白創作者的原意。

第一、二類作品的問題,在於藝術的表現方法有否蓋過藝術的內容。很多時候,我們看到第一類作品時,會「嘩」一聲;看到第二類作品時,又會「咦」一聲。但藝術品的表現方法,應該用以展現出藝術品的主題,而並非用以吸引觀賞者的目光(當然,除非「吸引觀賞者的目光」本身就是作品本身想帶出的主題)。把作品的主體不斷重複、又或者以非傳統材料來完成,想當然會帶出一種抽離現實的荒謬感。但如果這種荒謬感跟主題並不相干的話,只會增加作品跟觀賞者之間的距離。

第三類作品的問題,則在於過份倚賴文字表述。古希臘藝術、拜占庭藝術、文藝復興、印象派藝術,以至近代的超現實主義,從來都不需要靠文字去表述作品的內容和主題。也許今時今日我們看古希臘或文藝復興的油畫,我們還是得看一下作品的簡介,才能明白畫中的故事。但對於當代的人來說,神話或聖經故事應該耳熟能詳,並不需要靠文字輔助。若果一作品非要文字描述不可的話,不是作品的表現方法不能反映作品的主題,就是作品的主題過於偏狹、令觀賞者不能產生共嗚。

我說起上來,對當代藝術似是尖酸刻薄。但心裡其實還是希望,當代藝術可以在五十年後的藝術史課本裡留個註腳。Ron Mueck 等的高度寫實主義(hyperrealism)勢頭不錯,亦是要靠現今科技才能展現出的一種新藝術風格(形式上即上列的第二類作品)。

且看後事故何。

(註:文中所舉列子都是以現實中存在的當代藝術作藍本。)

上海市城市雕塑藝術中心

也談上海當代藝術與香港國際藝術展

剛去過香港、上海兩地,三個不同時代的藝術展,這裡放在一起談一下。

香港國際藝術展辦了五年,今次是第三年進場觀賞。規模又比去年大了一點,可是值得欣賞的作品卻又比往年更少。對於不是首年進場的人們來說,最大的問題可能是缺乏新鮮感。不少參加的藝術家,幾年來都是重複相近的概念、技巧和元素。可是於我而言,欠缺新鮮感不是最大的敗筆。香港國際藝術展搞不好的原因,是因為展覽本身像工展會一般的嘉年華會,而不是一個以藝術為主體的文化活動。把作品擠在一格格的空間裡,要吸引目光就只好嘩眾取寵。對,這裡的藝術品用色總有點令人吃不消的豐富,而且題材、用料皆以有趣為重,內容為次。這其實正好是香港社會的生活概念,反映在香港人對藝術觀點的要求。這是植根已久的速食文化——藝術作品最好是能在五秒內理解到的範圍。作品好壞,就只憑那一刻的直覺去判斷。需要更深層次去明白其背景或概念的作品,似乎並不適合於香港。今年為最後一屆,明年或以全新形式舉辦,暫且拭目以待。

上海不知去了多少遍。這次不去外灘、新天地、豫園,只找藝術館來看。上海美術館是專題展覽,是為紀念毛澤東《在延安文藝座談會上的講話》七十周年而節選的作品。(美術館也因此免費開放,社會主義還不算一無是處。)作品的主題就只有一個,就是「把文藝工作者深入工農兵群眾中,學習馬克思主義,達成真正無產階級的文藝」。用白話來說,就是不讓畫家畫別的,只可以畫歌頌工農兵、歌頌革命的故事。整個展覽都是一遍治鐵鍊鋼、魚農豐收、娘子軍、人民公社等的歌舞昇平。最諷刺的是,當初正正是毛澤東提出文藝作品要走「百花齊放、百家爭鳴」的路線。作品本身的藝術技巧和內容其實不值一提,但是我們可以借這些作品窺看那個時代的景象。就像《生命中不能承受的輕》裡薩賓娜所說的一樣:「我的敵人是媚俗,不是共產主義!」──我也不是因為共產黨才為反以反。如果我們看到工農兵勞動而去畫歌頌他們的畫,這絕對可以算是藝術;但如果我們為了歌頌工農兵而去畫他們勞動的畫,那就是徹頭徹尾的媚俗。

上海最大的驚喜,是位於虹橋路站的上海市城市雕塑藝術中心。明顯是複製北京798藝術區的成功要素,把舊工廠區改建成公共藝術中心。選址在規劃內將會佔地五萬平方米,現在開放的一萬平方米可算是小試牛刀。難得作品沒有政治、歷史或地域的區限,反而著眼於較大視野的主題,更突顯出中國雕塑藝術家的野心。依我看來,中國當代雕塑藝術已經進入成熟階段,可跟國際藝術比一日之長短。為甚麼中國雕塑會比其他中國當代藝術更為出眾呢?我的理由是,中國土地多、空間廣,辦形象工程的人、財大氣粗的人、和少數真的懂得欣賞藝術的人,難免都會找來一些藝術品來填空白。油畫、書法略嫌不夠「氣派」,豎立一方的龐然大物才是中國人的正道。當然他們現在懂得,藝術品一放便可能上十年,所以再多的銅臭,也不敢一味金碧輝煌、亦不局限於如香港般的速食文化。而且反過來說,不計藝術成就,同樣大小的油畫跟雕塑,雕塑總會賣得好價錢一點。說藝術家不用賺錢吃飯的人是滿腔屁話。只要花錢的人不左右藝術的風格、亦不是藝術家的唯一動力,像上海市城市雕塑藝術中心的展館應該大為可為。

回說香港,既沒有幾個肯花錢的人、也沒有幾個有耐性欣賞藝術的人,那誰拿著iPhone到處跑、拍好放上Instagrm,就算是完成任務。可是候任梁特首未上場就先放言香港要設立文化局、成為亞洲文化中心。他也不看看週遭的城市藝術文化氣息如何,才想想自己放的屁有多臭多響。

 

香港國際藝術展2012

Some notable work in HK Art Fair 2012, to be fair. An excellent piece of work illustrating hyperrealism.

 

《在延安文藝座談會上的講話》七十周年

用水墨畫來呈現核試成功的一刻--是藝術上的突破還是妥協?

 

《在延安文藝座談會上的講話》七十周年

治鐵鍊鋼、超英趕美……

 

上海市城市雕塑藝術中心

上海市城市雕塑藝術中心

 

慕夏——偉大的商業藝術家

時下很多藝術家或者藝術評論家都強調藝術的獨立性。藝術不需要依附於其他領域,但「不需要」依附不等如「不能夠」依附。商業化的藝術作品因此常被看低一線、甚至有意無意間被忽略了。結果所謂的藝術便愈來愈難懂、愈來愈脫離大眾;而商業設計則愈來愈流於片面、為討好消費者而趨向媚俗。

十九世紀末的新藝術運動(Art Nouveau)可跟現在不一樣,而慕夏(Alphonse Mucha)就是其中一個把藝術商業化而成功的好例子。慕夏於1860年出生在摩拉維亞(Moravia)的伊凡西切(Ivančice),行政規劃上也屬於波希米亞區(Bohemia)。他初時在維也納靠畫佈景畫維生。後來維也納環形劇場被燒毁,他也失去了工作。輾轉移居到米庫婁維市(Mikulov),為當地名望繪製肖像畫以維生。後來認識了當地的大地主庫恩‧貝拉西伯爵(Count Karl Khuen-Belasi)及其弟艾恭伯爵 (Count Egon),並為他們的城堡繪畫璧畫。後來艾恭伯爵更成為了慕夏在1887年到巴黎繼續學習畫畫的贊助人。

1889年艾恭伯爵突然停止贊助慕夏,令他又在陷於困境。那時候的巴黎正是印象派方興未艾、後印象派又躍躍欲試的時期(慕夏跟高更本身也是朋友),城中最不缺的就是畫家。直到1894年聖誕節前的兩星期,當所有人都開始放假的時候,慕夏臨危受命,替當時最當紅的歌舞劇女星莎拉·伯恩哈特(Sarah Bernhardt)於新年公演的吉斯蒙達(Gismonda)製作海報。吉斯蒙達一劇大受歡迎,而該海報(右圖)亦成為了群眾爭相搶奪的目標。慕夏因此一炮而紅,而伯恩哈特則跟他簽下了一紙六年的合約,為她往後的所有歌舞劇設計海報。

那時候慕夏開始為各種商品創作插畫。日曆、香煙盒、珠寶、地毯、壁紙,甚至LU(Lefèvre-Utile)的餅乾罐、Moët & Chandon的香檳等都有他的作品,而且其後爭相抄襲他的人不計其數。「慕夏風格」(Le style Mucha)也由那時候盛行。為了應付各式各樣的訂單,他還出版了一本《裝飾資料集》(Documents Décoratifs),為仰慕新藝術運動的人提供一切必備樣式。 但是慕夏沒有被商業上的成功所矇閉。他晚年一直希望繪畫捷克及斯拉夫人民的歷史。當在美國得到了資金緩助後,他終於回到了布拉格,完成了一系列二十幅的《斯拉夫史詩》(The Slav Epic)大型油畫,並把這套作品送給布拉格市政府。

如今看來,慕夏的畫作就跟現在日本漫畫裡的女角沒多大的分別。可是在當時學院派的沙龍作品盛行的年代,新藝術運動(跟印象派/後印象派)成為了脫離純藝術而更接近大眾的全新選擇。慕夏的作品亦沒有刻意創新,而是善用新古典主義裡的服裝和風格,再揉合其獨特的筆觸及色調。 而他的《斯拉夫史詩》更展現了比商業藝術更高層次的成就。他離開了捷克數十年,而且取得空前的成功,但他從沒有忘記過斯拉夫人的艱辛歷史。他回歸於沉實的畫風去完成這套作品,讓後世確定他不只是「世上最偉大的裝飾藝術家」。 至少,他比其他人更有資格稱為bourgeois bohemian。

Gismonda, Theatre de la Renaissance, 1894

Gismonda, Theatre de la Renaissance, 1894

alphonse_vienna_09_04

Monaco Monte Carlo, 1897

Hamlet, 1899

Hamlet, 1899

Moët & Chandon Crémant Impérial, 1899 (When the brand still has its class.)

Moët & Chandon Crémant Impérial, 1899 (When the brand still has its class.)

The Celebration of Svantovit, 1912

The Celebration of Svantovit, 1912